Die Kunst, Kunst zu schaffen, ist faszinierend. Es gibt Richtlinien, die Sie befolgen sollten, um Perfektion zu erreichen. Um Ihre Ideen Wirklichkeit werden zu lassen, müssen Sie einige Regeln beachten. In diesem Artikel werden wir einige der Prinzipien sehen.
Was Sind Prinzipien Von Kunst Und Design?
Dies sind nur Regeln und Richtlinien, die empfehlen, wie Designelemente organisiert und gemischt werden sollten, um eine perfekte Übereinstimmung und ein perfektes Erscheinungsbild zu erzielen. Diese Regeln sind extrem einfach, besonders wenn es um den wichtigen Aspekt guter Designelemente geht.
Diese Prinzipien erlauben es uns, die Qualität der Ausführung eines Gemäldes zu beurteilen. Dieselben Prinzipien verhindern, dass wir in eine Leere fallen, die es unmöglich macht, Kunst zu kritisieren oder zu definieren.
Die Prinzipien und das Design der Kunst in sind
- Muster
- Gleichgewicht
- Vielfalt
- Harmonie
- Betonung
- Dominanz
- Anteil
- Bewegung
- Rhythmus/Wiederholung
- Einheit
- Kontrast
- Skala
- Platz
Diese Prinzipien von Design und Kunst werden im Folgenden untersucht.
1. Das Muster
Muster ist die Art und Weise, wie Elemente visuell gemäß einem Muster oder einer intelligenten Sequenz angeordnet werden. Dieses Konstruktionsprinzip ist grundlegend und nicht immer offensichtlich.
Es ist nicht schwierig, Muster im Kunstdesign sicherzustellen. Sie können ein einfaches zugrunde liegendes Design mit hellen und dunklen Elementen haben oder nur bestimmte Farben verwenden.
Das Muster ist in Bezug auf Designprinzipien und Kunstprinzipien leicht zu verstehen. Muster sind überall, und unsere Augen sind von Natur aus darauf programmiert, sie zu bemerken, selbst wenn wir es nicht tun. Dies ist der mentale Trick, den einige Künstler anwenden, um Muster in ihre Arbeit zu integrieren.
Während Muster durch einfaches Wiederholen eines Objekts in der gesamten Komposition erreicht werden können, können sie davon profitieren, den Fokus und die Betonung auf ein bestimmtes Thema zu lenken. Das Muster hebt die gesamte Komposition als Ganzes hervor und macht sie unvergesslich.
Muster können mithilfe von Texturen in der Fotografie erstellt werden. Muster sollten dort integriert werden, wo andere Architekturen oder Kunstwerke stärker berücksichtigt werden.
Dies erklärt Muster als Wiederholung von Elementen im gesamten Kunstwerk und ist häufiger bei Textilien, Tapeten, Hintergründen usw.
2. Gleichgewicht
Ein weiteres Gestaltungsprinzip in der Kunst ist das Gleichgewicht. Dies bezieht sich darauf, wie Elemente in einem Design angeordnet werden, um sicherzustellen, dass jeder Teil gleich schön ist. Das Design sollte durch die Verwendung von Raum und Farbe harmonisch sein. Es sollte Spannung und Gleichgewicht geben, entweder in Form, Gewicht oder Raum.
Balance kann auf einer Skala in der realen Welt außerhalb des Designs gemessen werden. Wenn zwei gleich schwere Gegenstände auf die Waage gelegt werden, gleichen sich beide Seiten aus. Dies ist jedoch nicht die Art und Weise, wie Design-Balance gemessen wird. Es ist ein Gefühl, und der Betrachter wird es wahrnehmen.
Es stehen drei verschiedene Möglichkeiten zur Beschreibung des Gleichgewichts im Design zur Verfügung. Wir geben Ihnen einen Überblick über diese drei Typen.
- Formales Gleichgewicht
Hinsichtlich der formalen Ausgewogenheit sollten beide Hälften der Arbeit spiegelbildlich oder gleich sein. Symmetrisches Gleichgewicht ist ein anderer Name für formales Gleichgewicht.
Während das formale Gleichgewicht in jedem Kunstwerk leicht erkennbar ist, argumentieren einige, dass es das gesamte Werk weniger interessant macht.
- Informeller Ausgleich
Im informellen Gleichgewicht, auch bekannt als asymmetrisches Gleichgewicht, scheinen zwei Objekte, die nicht gleich aussehen, das gleiche Gewicht zu haben, aber in Wirklichkeit sind sie es nicht. Zu den Dingen, die verwendet werden können, um ein informelles Gleichgewicht im Kunstwerk zu schaffen, gehören Formen, Farben, Werte, Intensitäten usw. Es kann schwierig sein, ein informelles Gleichgewicht im Kunstwerk zu finden.
Handelt es sich bei einem Gemälde beispielsweise um ein Kunstwerk, können kleine Formen mit warmen Farben wie Rot bemalt werden. Sie wirken ausgeglichen durch größere Formen, die in kühlen oder matten Farben bemalt sind.
Ein informelles Gleichgewicht kann in der Zeichnung erreicht werden, indem die größeren Formen näher an einen zentralen Punkt und die kleineren Formen weit weg vom zentralen Punkt bewegt werden.
- Radiales Gleichgewicht
Das radiale Gleichgewicht ist die endgültige Form des Design-Gleichgewichts. Dies bedeutet, dass die meisten Elemente nahe am Zentrum der Arbeit gezeichnet werden. Ein Beispiel für radiales Gleichgewicht ist, wenn eine Blume so gezeichnet wird, dass sich ihre Blütenblätter vom Drehpunkt nach außen ausbreiten. Wie der Name schon sagt, strahlt das radiale Gleichgewicht nur Elemente von einem zentralen Punkt aus, ähnlich dem Kunstwerk.
3. Vielfalt
Variation im Design ist die Kombination mehrerer Elemente, um Interesse oder Aufmerksamkeit zu erzeugen. Es hilft, die Monotonie zu durchbrechen und die Aufmerksamkeit und Anziehungskraft zu erhöhen. Wenn Vielfalt in Kunstwerken angewendet wird, erhöht sie die visuelle Attraktivität des gesamten Werks.
Es ist einfach, einem Kunstwerk Abwechslung zu verleihen. Beim Zeichnen von Bildern können Sie zum Beispiel die Monotonie vieler Kurvenlinien mit einer geraden Linie durchbrechen. Helle Farben können auch verwendet werden, um die dunkleren Farben aufzubrechen.
4. Harmonie
Dies ist einfach eine Mischung aus Elementen, um ein schönes Erscheinungsbild zu schaffen. Die gemischten Elemente sollten diejenigen sein, die ein gemeinsames oder ähnliches Interesse haben, um ein ansprechendes Erscheinungsbild zu erzielen.
So lassen sich beispielsweise Rechtecke und Quadrate harmonisch ineinander überführen und erzeugen ein ansprechendes Erscheinungsbild, da beide mit parallelen Linien angelegt werden.
Die erfahrensten Künstler nutzen dieses Gestaltungsprinzip, um verschiedene Werkstücke durch harmonierende Farben zu einer angenehmen Kombination zu verbinden.
5. Akzentuierung
Der Schwerpunkt im Design liegt darauf, ein Element oder Objekt von den anderen Elementen oder Objekten derselben Designarbeit abzuheben. Dieses Prinzip ist für Designer unerlässlich. Es betont die Vorderansicht oder den Teil, den der Betrachter zuerst sieht. Der Künstler kann auch steuern, wie lange Betrachter bestimmte Teile eines Designs betrachten.
Es kann schwierig sein, die Arbeit von Designern hervorzuheben. Während es die Verwendung anderer Elemente und Designprinzipien in der Kunst erfordert, um die richtige Betonung zu erzielen, erfordert es Planung und Voraussicht, damit ein Designer es richtig macht.
Kunstwerke zu akzentuieren sollte nicht schwierig sein, wenn Sie gut planen und die passenden Elemente verwenden. Um Akzente zu setzen, können Künstler Kontrastfarben und -elemente verwenden. Ein Künstler kann die Größe bestimmter Objekte verändern und ihnen mehr Gewicht verleihen.
Es ist einfacher, Akzente in der Fotografie zu setzen. Beispielsweise kann ein Fotograf die Kamera neigen, um den Winkel zu ändern oder die Zusammensetzung des Motivs zu ändern. Ein Fotograf kann Akzente setzen, indem er den Hintergrund oder die Beleuchtung des Motivs ändert oder es wegzieht.
6. Dominanz
Die Dominanz soll sicherstellen, dass einige Elemente andere Elemente in einem Kunstwerk dominieren. Es sind diese Gestaltungsprinzipien, die die Einheit der Kunst bewirken.
Der beste Weg, die Dominanz in Design und Kunst hervorzuheben, besteht darin, ein Element in einem Thema zu wiederholen. Das dominierende Element sollte größer sein als die restlichen Elemente innerhalb derselben Arbeit.
7. Anteil
Proportion bezieht sich darauf, wie sich Teile in einem Konstruktionsjob proportional zu anderen Teilen im selben Job verhalten. Einfach ausgedrückt, es ist nur eine vergleichende Beziehung von Abmessungen und Formen in der entworfenen Arbeit. Es ermöglicht dem Künstler, die Hauptelemente einer Arbeit hervorzuheben.
Zum Einsortieren sind es nur wenige Schritte. Beispielsweise können einige Elemente, die als Hauptelemente angesehen werden könnten, größer als die anderen gemacht werden. Es geht nicht um die Größe. Dies ist wichtig, um die Hauptelemente Ihrer Arbeit hervorzuheben. Sie können auch Farben in unterschiedlichen Proportionen verwenden, um die Hauptelemente hervorzuheben.
8. Bewegung
Künstler können das Prinzip nutzen, um die Wirkung ihrer Kunst zu spüren. Sie können Elemente wie Linien und Formen kombinieren, um Bewegung in den Augen zu erzeugen. Verschiedene Farben und Texturen können auch gemischt werden, um einen Weg zu schaffen, der den Blick des Betrachters durch das Werk führt. Eine rhythmische Bewegung kann erzeugt werden, indem Elemente geordnet nahe beieinander platziert werden.
9. Rhythmus/Wiederholung
Wiederholung bezieht sich auf das wiederholte Auftreten eines einzelnen Elements in der Entwurfsarbeit. Das Element kann Farbe, Form, Linie oder Form sein. Eine Wiederholung eines Elements soll Aufmerksamkeit erregen. Das Design kann auch Wiederholungen verwenden, um einen bestimmten Teil der Arbeit sinnvoller zu machen.
Wenn Sie gut planen, kann sich die Wiederholung endlos anfühlen. Während das Hauptziel des Rhythmus in der Kunst darin besteht, die Aufmerksamkeit des Betrachters zu erregen, kann er verwendet werden, um Benutzeroberflächen mit sich wiederholenden Elementen zu erstellen, damit der Benutzer sie leicht finden kann.
10. Einheit
Das Prinzip der Einheit sorgt für die richtige Anordnung der Elemente, um ein Gefühl der Vollständigkeit zu erzeugen. Gestaltungselemente müssen so platziert werden, dass eine Einheit entsteht. Die Elemente sollten nicht linear erscheinen.
11. Kontrast
Im Gegensatz dazu, manchmal auch als Konflikt oder Opposition bezeichnet, nicht weit von Vielfalt entfernt. Der einzige Unterschied besteht darin, wie das variierende Element während der gesamten Arbeit verwendet wird. Ein Quadrat kann beispielsweise verwendet werden, um gestalterische Arbeiten mit Kreisen zu kontrastieren.
Kontrast im Design bedeutet, dass sich Elemente in einem Werk von anderen unterscheiden.
Das Kontrastprinzip hilft bei der Fokussierung. Kontraste können eingesetzt werden, um Aufmerksamkeit zu erregen, wenn zum Beispiel visuelle Elemente in Arbeiten eingesetzt werden.
Es ist eine einfache Tatsache, dass Elemente ohne Kontrast gemeistert werden können, während Elemente mit Kontrast durchscheinen können. Skalieren oder ändern Sie die Größe von Elementen, um Kontrast zu erzeugen.
Die Gestaltungsarbeit wird von Kontrasten dominiert. Kontrast ist ein wichtiger Teil der Designarbeit.
In der Kunst können viele Formen des Kontrasts erreicht werden. Diese Formen werden hier ausführlich besprochen.
- Texturkontrast:
Diese Form kontrastiert glatte und strukturierte Elemente.
- Der Farbkontrast:
Kontraste können durch Mischen von hellen und dunklen Farben sowie gesättigten und matten Farben erzeugt werden.
- Detailkontrast
Dies bezieht sich darauf, einen bestimmten Bereich spezifischer als die anderen zu machen.
- Kontrast:
Schon vom Namen her ist es so gestaltet, dass der Unterschied zwischen verschiedenen Formen wie Kreisen und Rechtecken auffällt.
- Intervallkontrast :
Der Intervallkontrast ist eine weitere Form, die dazu beitragen kann, ein Gefühl von Rhythmus im Kunstwerk hervorzuheben. Intervalle können entweder kurz oder lang sein.
12. Skala
Skalierung in der Kunst bedeutet, verschiedene Elemente zu verwenden, um Fokus zu schaffen und die Aufmerksamkeit des Betrachters zu erregen.
13. Raum
Raum, der entweder positiv oder negativ sein kann, ist eine ideale Komponente im Design. Der Raum beeinflusst das Gleichgewicht dessen, was entworfen wird.
Es ist nicht schwierig, zwischen negativem und positivem Raum zu unterscheiden.
Ein positiver Raum muss mit Objekten gefüllt werden.
Andererseits gilt Raum als negativ, wenn er zwischen Objekten liegt. Er wird auch als Weißraum bezeichnet und spielt eine wichtige Rolle im Design.
Obwohl viele Leute Negativraum mit Kopierraum verwechseln, ist dies ein Begriff, der unter Fotografen geläufig ist und verwendet wird, um leere Räume zu bezeichnen. Text kann in Kopien eingefügt werden, dies gilt jedoch nicht für Leerraum. Text, der zu Leerraum hinzugefügt wird, kann dazu führen, dass einige Elemente nicht in der richtigen Reihenfolge sind und sich auf die gesamte Arbeit auswirken.
Fazit
Dieser Beitrag sollte die Prinzipien hinter Design in der Kunst verdeutlicht haben. Diese Prinzipien können auf Ihre kreative Arbeit angewendet werden.
Diese Designprinzipien können in Ihre Kunstwerke integriert werden, aber es ist wichtig, sich daran zu erinnern, dass nicht alle von ihnen für großartige Kunst notwendig sind. Es ist möglich, einige dieser Designprinzipien anzuwenden und dennoch etwas Außergewöhnliches zu schaffen.
Tom ist ein Blogger und Künstler, der auch Technologie liebt. Er verbringt seine Tage damit, über die neuesten Entwicklungen in der Welt der Kunst zu bloggen, und er genießt es, seine Gedanken mit den Lesern darüber zu teilen, was es bedeutet, heute ein Künstler zu sein. Tom ist seit seiner Kindheit von Technik fasziniert. Doch erst mit 13 Jahren wurde ihm klar, wie viel Spaß das Erstellen von Websites machen kann. Tom ist ein lebenslustiger, abenteuerlustiger, kreativer Typ. Er rezensiert gerne Kunstprodukte und Technologie-Gadgets in seinem Blog und tut dies seit über 5 Jahren! Man findet ihn am Strand, im Studio oder beim Erkunden neuer Gegenden.
…
